バルビゾンへの道（ザ・ミュージアム）

東京、渋谷のBunkamura ザ・ミュージアムで開催された、山形県の山寺にある、後藤美術館のコレクション展。

山寺は、松尾芭蕉が、”閑けさや岩にしみいる蝉の声”というあまりにも有名な句を詠んだ場所として知られている。私も、前に訪れたことがあったが、その近くに、そうした美術館があることはしらなかった。

ムリーリョの悲しみの聖母。涙を浮かべた目で、左上を見上げるマリアの半身図。ムリーリョの真筆かどうかには、異論もあるようだが、そのマリアの表情からは、確かに、ムリーリョの作品のように見える。

ブーシェの聖ヨセフの夢。聖ヨセフの夢の中に、天使が現れている、という作品。ブーシェの華やかなイメージとは異なり、夜ということで、背景は暗い色に描かれている。これがブーシェ？というのが素直な感想だ。

風景画家として知られるコンスタブルが、グルーズの絵を模写した、少女と鳩、という作品。グルーズの描く典型的な美しいフランス娘は、コンスタブルの絵のイメージとは全く結びつかない。コンスタブルの画家としての技術の確かさがよく表れている。

ジョン・エバレット・ミレイのクラリッサ。破滅していく小説の主人公を描いた作品。手紙を破いて、心ここにあらず、と遠くを見つめている若い女性像。小説のを読んでいなくても、そのシチュエーションは、よく伝わってくる。

ロイスダールの小川と森の風景。空の雲、画面中央の大樹、右側に描かれた小川の水の様子、そこに遊ぶ小さく描かれた牛。まさしく、オランダの空気感まで描いたような作品。

それに続き、ド・ラ・ペニャ、ルソー、ミレーなどのバルビゾン派の画家たちの作品が続いて展示される。

クルーベの波、という作品は、文字通り海の波だけを描いた作品。画面の中央に、ひと際大きな波が描かれていて、その波が、この絵の主役であることを示している。クールベの本質が表れているような作品で、実に、見応えがあった。

錚々たるそうした作品群から、後藤美術館のコレクションの質の高さが感じられた。

モローとルオー 聖なるものの継承と変容（パナソニック汐留ミュージアム）

幻想的な絵で知られるギュスターブ・モローは、絵画学校の教師を務めていた。その教え子の一人に、イコンのような独特の絵画で知られるジョルジュ・ルオーがいた。

この二人の関係をテーマにした、パナソニック汐留ミュージアムでの展覧会。

モローは、私がもっとも好きな画家の一人。ルオーも、今はそれほどではないが、かつては入れ込んだことのある画家だった。この二人が師弟関係にあったことは、その後に知った。

モローのピエタ。未完成作品だが、モローがどのように絵画世界を作り上げて行ったかの過程がよくわかる。

画面の右側は森が、左側には遠景が描かれている。中央に、十字架から降りされたキリストがおり、それをマリアが体ごと支えるように抱きかかえている。伝統的な構成のピエタだ。

モローは、部分部分を描いて行くのではなく、全体を描きながら、少しづつ絵の具を重ね、その濃密な世界を徐々に深めて行くように、絵を仕上げて行ったようだ。

後年の同じテーマの作品では、全体の構成がよりシンプルになり、広い平原に、キリストとマリアだけが描かれている。

ルオーは、太い黒い線と、その中に原色の絵の具を落としこむような画風を確立して行くが、初期の頃の作品は、モローの影響を受けてだろうか、神秘的ながら繊細な画風の絵を描いていた。

当時の画家としての登竜門と言えるローマ賞を目指して、大作を準備していた頃のルオーのデッサンなどからは、まだ後のミゼレーレなどの作品の雰囲気は、あまり感じられない。

モローのヘラクレスとレルネのヒュドラ。9つの頭を持つヘビの姿を持つヒュドラを、モローは、いろいろな種類のヘビの頭を組み合わせて描いている。

モローは、現実には存在しない伝説上の人物や風景を描くにあたり、いろいろな図鑑や書物を参考にしていたという。この作品を描くのに、沢山の種類のヘビを試してみたのかもしれない。

モローの教え子の中には、マチスなどもいたが、中でのルオーを最も評価していたという。その二人の作品が、母国を遠く離れた地で、このような形で展示されるようになるとは、本人たちは、おそらく想像もしなかったに違いない。

柳宗理の見てきたもの（日本民藝館）

東京、駒場にある日本民藝館へ。

この、いわゆる民藝品を数多く所蔵する施設を創設したのは、民藝運動を起こした柳宗悦。その息子で、デザイナーとして世界的に名が知られている柳宗理は、父の後を継いで、その館長を長く務めた。

柳宗理は、おしくも2年前に、96歳で亡くなったが、ゆかりの日本民藝館で、彼が集めたコレクションの数々が、展示された。

父の宗悦が、日本を中心とした民藝品を集めたのに対して、宗理は、インド、アフリカ、ヨーロッパ、南米など、世界中から、素朴な生活用品、仮面などを収集した。その差は、時代の違いがもたらしたものだろう。

そうした展示品の中で、とりわけ深い印象を残したのは、ドゴン族を代表する、アフリカ各地の奇妙な仮面の数々だった。

デフォルメという言葉では、とても収まりそうもない、その不思議な形には、ただただ呆れるばかり。

3メートルほどの細長い仮面。博物館などに展示している分には、別に問題はないが、実際につけるとなると、つけた人間は、そのバランスを保つのに、相当苦労するはずだ。

真っ直ぐな、6本の平木を組み合わせて作られた仮面。最初は、これが仮面？と思ったが、よくよく見ると、下の方には、目を表す穴があり、木を組み合わせたオブジェが、人の顔に見えてきた。

アフリカのある部族の腰布。そこに描かれている文様が、実に不思議。一つ一つの文様は、シンプルだが、その組み合わせ方が、不規則なように見え、しかし、何かの規則がありそうにも見える。その規則を見つけようとして、なかなかその前から離れられない。

朝鮮時代に描かれた3つの地図。一つは、中国を中心とした世界地図。しかし、そこにはヨーロッパやアフリカなどは描かれてはいない。まさに、中華思想そのもの。

2つめの地図は日本国。3つ目の地図は琉球国。この時代、朝鮮では、琉球はひとつの国と考えていた。

現在、東アジアの国境問題が話題になっているが、国境というものは、所詮は時代的なものだということが、そうした地図からよくわかる。

インドやアフリカの絞りの染物が何点か展示されていた。その素朴な味わいは、日本の絞り染めの原点のようなものを感じる。絞りという技術は、世界各地で自然に誕生した技術なのだろう。

宗理が、日常の生活で使っていた、濱田庄司や河井寛次郎らの器や茶碗などが、その生活を再現するように、テーブルの上に並べられていた。それらを見ていると、懐かしいような、何か暖かいものが感じられる。

大量生産された、誰が作ったのか分からない、個性のない食器に囲まれた現代人の暮らしと比べると、柳宗理の日常は、少し違っていたようだ。

宗理のデザインは、世界中の様々な品々からのインスピレーションや、そうした日常を彩る品々の中から生まれたのだ、ということが、この展覧会から伺えた。

国宝「卯花墻」と桃山の名陶（三井記念美術館）

三井記念美術館で開催された、国宝「卯花墻」と桃山の名陶展。桃山時代に製作された、志野、瀬戸、織部が展示された。

志野は、全体的に肉厚。釉薬は、少しピンクがかった、クリーム系の色。形は勿論だが、その釉薬のかかり具合や、表面に描かれた絵柄が、器の個性を生み出す。

鼠志野は、文字通り、鼠色がかった釉薬が使われている。純粋な志野よりも、渋さを感じさせる。

志野の表面の絵柄は、草木や動物を、シンプルなイメージで描いているものが多い。そのシンプルさが、見ている者に、なにか暖かいものを感じさせる。

黄瀬戸は、志野とは違って、器が薄手で、釉薬もその薄さを邪魔しない。洗練された印象を与える。描かれている絵柄も、実に細かい部分まで描かれている。

瀬戸黒は、文字通りの黒。まるで楽茶碗のようだ。

織部といえば、奇妙な形をして、濃い緑の釉薬がかかっている、というイメージがある。しかし、会場には、そうしたイメージを覆す器が多数並んでいた。

展覧会の目玉は、国宝の「卯花墻」。うやうやしく、特別な場所に展示されていた。茶器は、そのの形、釉薬のかかり具合、偶然にできたちょっとした模様など、微妙な違いが、他の器との違いを生み出す。

その違いを人々が、どのように解釈するかで、その器の価値が決まる。ある器は、国の宝となり、違いがないものは、ただ普通の人々に使われる器となる。

西洋版画の流れ（神奈川県近代美術館 鎌倉別館）

JR北鎌倉駅から、建長寺などを巡り、鎌倉の市街地の方向へ下って、鶴岡八幡宮まで間も無くの辺りまで歩いてくると、右手に見えてくるのが、神奈川県近代美術館 鎌倉別館だ。

私の好きな美術館の一つで、小規模ながら、味わいの深い展覧会を企画している。

今回は、西洋版画の流れ、と題して、当館が所有する、数多くの版画が展示された。

ブリューゲル、ジャック・カロ、ポントルモ、ゴヤ、マックス・クリンガー、ピカソ、モロー、シャーガールなどの作品が展示されていた。

ブリューゲルの7つの大罪を描いた作品は、フランドル地方の諺にちなんだと言われている、不思議で不気味なイメージが、虫眼鏡でないとよく見えないような細かさで表現されていて、ずっと見つめていると、文字通り、時間の経つのを忘れてしまう。

ピカソのフランコ光と影、という作品は、スペインの独裁者のフランコ将軍を強烈に風刺した作品。民衆の悲惨な姿と、バカっぽく描かれたフランコの姿の対比が、ピカソらしい。

しかし、この展覧会の目玉は、ジゼル・ツェラン・レトランジュの銅版画。寡聞にも、彼女のことは、これまで、まったく知らなかった。

1927年にフランスの伯爵家に生まれ、絵画と素描を学び、ドイツ人の詩人として名高いパウル・ツェランとの結婚後、銅版画を始めた。

彼女の銅版画が、こうしてまとまって展示されるのは、国内では初めてのことだという。その作品は、強烈な印象を、私の心に残した。

初期や中期の作品は、抽象的な作品が多い。線を使って、不思議な造形美を生み出している。線は、細かったり、太かったり。時に、人の列や、空を飛ぶ鳥の群れを連想するような作品もある。

しばらく見つめていると、中国やイスラムの書道のようにも見えてくる。単純なイメージの中に、実に多くのことが隠されているように思える。

1970年には、心の病にかかっていた夫がなくなり、ジゼルの作品には、自然の風景を写したものが多くなった。ジゼルも1991年にパリで亡くなった。

そのジゼルの不思議な世界に魅了されたまま、会場を後にした。

北条時頼とその時代（鎌倉国宝館）

北条時頼という人物のことは、よく知らなかった。

北条義時以来の5代目の執権であり、北条氏と対抗していた三浦一族などを滅ぼし、北条家の権力の安定をもたらした、中興の祖といわれている。

また、仏教にも信仰が厚く、南宋から禅宗の高僧であった蘭溪道隆を招き、建長寺を建てたことでも知られている。

その北条時頼の没後750年を記念して、ゆかりのある鎌倉国宝館にて、特別展が開かれた。

時頼の坐像が3点展示されていたが、その表情はかなり違っている。時頼には、全国を行脚して、世直しを行ったという、史実とはことなる言い伝えが残されている。坐像の表情の違いには、神話化された時頼のイメージというものが、垣間見える。

時頼は、蘭溪道隆を始め、当時の様々な高僧と関係を持っていた。

時頼が執権をしていた時、日蓮が立正安国論を書いて時頼に提出した。日蓮はその書の中で他の宗派を激しく攻撃した。時頼は、日蓮に対しては、それほど反感は持っていなかったようだが、他の宗派に配慮して、日蓮の追放を命じている。

その様子を描いた、日蓮聖人法難絵は、細長く描かれた絵巻物のようだが、よく見ると、人物の目鼻が描かれていない。あまり見られないタイプの絵物語だ。

曹洞宗の開祖、道元が鎌倉を訪れた際、時頼と面会したという。この面会がきかっけで、時頼は禅の教えに興味を持ったといわれている。

展示の後半は、時頼が蘭渓道隆を招いて建立した建長寺に関する展示品が多かった。

蘭渓道隆の肖像や坐像は、時頼と違って、その表情や体格はほとんど同じ。皆面長で、細身の体つきをしている。実際にそのような人物であったのだろう。

南宋において、名のある高僧であった蘭渓道隆が、時頼の招きに応じて日本に来た背景には、モンゴル人の国家、元の影響を逃れる意味もあったのだろう。

蘭渓道隆にとって、当時の日本の様子、北条時頼などは、どのように感じられたのだろうか。展示作品は、いずれも、寺の規律を記したものばかりで、その心情を伝えるものは、なにもなかった。

江戸時代に水戸光圀が寄進した際に描かれた、建長寺の境内絵図。鎌倉時代には立派な伽藍が立ち並んでいた建長寺も、江戸時代には寂れており、それを見かねた光圀が寄進を申し出たという。

南宋時代に龍泉窯で作られ、鎌倉の地にもたらされた、青磁の大きな花瓶と香炉。当時の鎌倉は、南宋と直接交流していた。多くの文物を輸入し、僧侶や商人も多数訪れ、国際的な都市であったに違いない。

時頼は、父が早世したことで20才で執権に地位について、30才で出家。しかし、影の実力者として実権を握っていたが、わずか37才で病でこの世を去ってしまった。しかし、その37年という短い歳月の中には、実に多くのことがあったのだということが、この特別展でよくわかった。

仙厓と禅の世界（出光美術館）

出光美術館は、仙厓の作品を多く所有することで知られる。これまでも、何度か仙厓をテーマにした展覧会を開催してきたが、今回は、禅僧としての仙厓にテーマを当てた内容だった。

仙厓は、現在の岐阜県に1750年に生まれ、地元の寺で臨済宗の僧として修行した後、横浜の東輝庵という寺でも修行を重ね、やがて、福岡の禅寺、聖福寺の住職となった。

晩年になってから、若き日に修行した寺を描いた東輝庵画賛。素朴ながら、それでも細かい筆さばきで、思い出の中にある、東輝庵とその周りの山麓の風景を描いている。

仙厓というと、その素朴な画風で知られる。しかし、同時に、厳しい修行を重ねた禅僧でもあった。仙厓は、難しい禅のエピソードを、わかりやすく、時に独自の解釈を加え、その絵とともに、若い僧たちに伝えた。

仙厓による、禅の経典、碧眼録の講義ノート。しっかりとした文字で、中国の禅の先人たちのエピソードを、延々と解説している。そこには、微笑ましい絵から受けるイメージとは、少し違った仙厓の姿が伺える。

しかし、仙厓の絵の前に立つと、やはり、その愛らしい、個性的な表現に、思わず笑みがこぼれてしまう。

南泉という高僧が、騒動のもとになったネコを殺してしまうエピソードを描いた、南泉斬猫画賛の中では、南泉は今にもネコを斬ろうと刀を振り上げているが、そのユーモラスな表情からは、とても実際に殺せるようには思えない。掴まれているネコも、そんなことは起こるまいと、のんきな表情に描かれている。

仙厓が晩年に使っていた茶器などの品々も展示されていた。仙厓が絵を付けた器もある。また、仙厓が作った茶杓も展示されていた。

仙厓は、88才で大往生を遂げるが、晩年は、死にまつわる絵が多くなった。いずれも、死を人生の一部として捉えるように、という趣旨の内容だが、もしかしたら、自分に対しての意味もあったのかもしれない。

この展覧会では、一休が応永の乱の際に、住吉に逃れた際に作った床菜庵という禅寺にゆかりの、一休の書や画賛も合わせて展示されていた。

一休は、仙厓より時代は大きく遡るが、同じ臨済宗の禅僧。

仙厓よりおよそ100年前に活躍した白隠も臨済宗の禅僧で、臨済宗という宗派の日本文化に対する影響の大きさを実感した展覧会でもあった。

明治のこころ（江戸東京博物館）

大森貝塚を発見したことで知られるエドワード・モース。明治維新後間もない、1877年、明治10年に初めて日本を訪れて、その後も2度来日した。

モースは、当時の日本人の暮らしに深い興味を抱き、様々な物を、本国のアメリカに持ち帰った。それらは、現在では、アメリカの二つの美術館、博物館に収められている。

江戸東京博物館で開催されたこの展覧会では、その中から、320点を展示した。

明治時代、そうした品々を実際に使っていた人々は、まさか、およそ100年後に、それらが博物館に展示されるとは、夢にも思わなかったに違いない。

下駄、簪、日常の着物、手ぬぐい、お歯黒道具、しゃもじ、皮むき、まな板、タバコ入れ、トコロテンつき、菓子箱、弁当箱、箒、はたき、燭台、こま、虫かご、双六、店の看板・・・

明治時代の人々の生活が、蘇ったようだ。

モースは、その滞在の様子を、『日本　その日その日』という本に記している。会場には、その本から抜粋された言葉が、パネルで展示されていた。

モースは、当時の日本が、家の扉を開けっ放しにしていても泥棒が入る心配をしなくていいほど平和な町であること、一般の人々が正直で素直であること、日常の生活用品が実に美しく作られていること、などを大きな驚きをもって記している。

展覧会のパンフレットには、”アメリカから里帰り”、と書かれている。そうした品々が帰ってきた国では、誰もが将来に不安を抱え、ストーカーに命を奪われる危険を感じ、家族を装う他人に金を奪われ、他人の苦しみを自分のものと感じられない、という生活を送っている。

モースが、かつて見た国は、残念ながら、もはやどこにも存在しないようだ。

そして、これからも、そうした国は、二度と、現れることはないのではないか。

トスカーナと近代絵画（損保ジャパン東郷青児美術館）

東京、新宿の損保ジャパン東郷青児美術館で開催された展覧会。

展示されたのは、イタリア、フィレンツェにある、ピッティ宮殿近代美術館が所蔵する、トスカーナを中心にした、イタリアの19世紀、20世紀の近代絵画の作品。

トスカーナの絵画といえば、ルネサンス、マニエリズム以降は、これといった名前が思い浮かばない。この展覧会は、そうした隙間を埋める、貴重な内容だった。

アントニオ・フォンタネージのサンタ・トリニタ橋付近のアルノ川。フォンタネージは、明治の日本が招聘したお雇い外国人の一人だった。夕焼け色に染まったアルノ川があ、哀愁の気持ちを呼び起こす。

アンドレア・ピエリーニの煉獄におけるダンテとベアトリーチェの出会い。ダンテの神曲の中の有名な場面を、幻想的な雰囲気で描いている。

19世紀後半のイタリアには、フィレンツェを中心に、マッキアオーリという芸術家のグループが現れた。フランスのバルビゾン派の影響を受けた彼らは、ルネサンスの伝統も意識しながら、独自の絵画を生み出して行った。

彼らはフィレンツェにあった、カフェ・ミケランジェロに集まり、芸術論を戦わせた。折しも、イタリアはオーストラリアからの独立と、統一の機運が高まっていた。彼らは、そうした政治的な意識も持っていた。

マッキアオーリの一人、ジュゼッペ・デ・ニッティスのオファント川岸で。横長のキャンバスに、川岸を歩く、牛の長い列が描かれている。

20世紀になると、他の国からの影響を受けて、様々な技法の画家たちが登場する。

オスカル・ギーリアの貝殻のある風景。静物画だが、画面全体が青緑とワインレッドの2色で分けられており、その中に、白い貝殻と、水の入ったコップが描かれている。

ジョバンニ・コステッティの物思いに耽る女性。ルネサンスのフラ・アンジェリコのような、透明感を持った、それでいて不思議な雰囲気を持った作品。

近代のトスカーナの画家たちにとって、ルネサンス芸術は、良い意味でも悪い意味でも、圧倒的な存在感で、大きな影響を与えていたことが伺える。

こも展覧会は、ルネサンスではない、トスカーナの近代絵画を味わうことができる、実に貴重な経験だった。

色彩のラプソディー（DIC川村記念美術館）

千葉の佐倉にある、DIC川村記念美術館のコレクション展の第2段。

今回の目玉は、その豊富なコレクションで世界的に知られるフランク・ステラの作品群を、広い展示室いっぱいに展示したステラ・ルーム。

初期の、線を中心とした地味な作品と、80年代以降のカラフルでいろいろな形状をしたオブジェを組み合わせた作品が、しきいによって2つのコーナーに分けて展示され、展示室内は、文字通りのステラ・ワールドと化していた。

80年代以降の作品を見ていると、高校の学園祭で教室内に迷路を作った時に、そのあちこちに配置するために作った、意味もないオブジェのことを思い出す。

しかし、そのステラの作品よりも、私の心に残ったのは、エーリヒ・ブラウアーによる”ソロモンの箴言より”という12枚の連作版画だった。

寡聞にもブラウアーの名前は知らなかった。1929年にウィーンでユダヤ系の家系に生まれ、ウィーン幻想派の画家として知られているという。

12枚の版画は、それぞれが、旧約聖書の箴言の言葉をもとに描かれている。人間や動物、自然の風景が、幻想的でカラフルで、どこかユーモラスな感じで描かれている。

近づいてよく見ると、それぞれの絵の元になっている聖書の言葉が、キャンバスの隅に、英語とヘブライ語で書かれている。ヘブライ語の方は、それが理解できない人間には、記号のようにしか見えない。

英語で表現されているもの、ヘブライ語で表現されているもの、そして、ブラウアーの絵で表現されているもの、その3つは、似通っているようで、微妙に異なっているのかもしれない。

コレクション展ということで、他にも、線をテーマに、ジョルジュ・ブラック、ブリジット・ライリー、ジャクソン・ポロック、李禹煥、などの作家の作品が展示されていた。

戦争／美術1940-1950モダニズムの連鎖と変容（神奈川県立近代美術館葉山館）

神奈川の逗子の駅から車で15分ほど、海を見下ろす場所に建っているモダンな建物が、神奈川県立近代美術館葉山館。開館10周年を記念した行われたのは、1940年から50年にかけての日本絵画を紹介するという、珍しい内容の展覧会だった。

最近、とみに注目を浴びている松本竣介は、この時代を代表する作家だ。立てる像、と題された有名な自画像は、焼け野原の中で、完全と自分の運命を向き合っている画家の姿を描いている。

松本は、自らの絵画と戦争協力との間に、はっきりと一線を引いていた。惜しくも、戦後すぐに病いで亡くなってしまった。

藤田嗣治のソロモン海峡に置ける米兵の末路という作品。戦前、エコールドパリの画家として華麗な活躍をした、軍人の子でもあった藤田は、戦争が近づくと帰国し、従軍記者として数多くの絵画を描いた。

戦後は、その戦時中の軍への強力を厳しく批判され、逃げるようにしてパリへ旅立ち、二度と日本に戻ることはなかった。

その絵は、明らかにドラクロアやジェリコーの絵画を参考にして描かれている。画家は、社会という人間の集団の中で生きている以上、どうしても、絵画の描き方だけではなく、その中に描いているものによっても、評価されてしまう。

山下菊治は、戦前は反米的な、日本の敵米国の崩壊、という絵を描いたが、戦後は逆に、あけぼの村物語、のような、反権力的な絵画を描いた。

描かれているテーマは異なっているが、その技法は、ほとんど変わっていないように見える。

新日本百景、という版画集。日本版画協会が1938年から1941年にかけて出版した。京都や富士山というお馴染みの風景の中に、台北や平壌などの風景もある。その時代、日本は台湾や朝鮮半島は日本の植民地だった。

日本の南洋への進出に伴い、南洋ブームのようなものが起こり、画家たちも、そうした絵を数多く描いた。画家たちにとっても、南洋はゴーギャンの影響もあり、魅力的な対象だったのだろう。

丸木位里、俊の夫婦による、広島の原爆による惨状を描いた作品の数々。広島は、丸木位里の故郷であり、原爆の投下を知った位里は、すぐに広島に向かい、その惨状を目の当りにした。その絵の圧倒的な存在感は、見た者の心に強烈な印象を残す。

それは、広島の原爆を題材としながら、描かれているものは、いつも時代にも起こりうる、この世の地獄の姿になっている。それらの絵画は、普遍的な何事かを、見るものに訴えかけている。

時代に翻弄されながらも、絵画を描き続けた、そうした画家たちの姿に、芸術と社会の何とも言えない不思議で奇妙な関係を、改めて考えさせられた。