マルコ・ポーロが見たユーラシア（横浜ユーラシア文化館）

13世紀の終わり、ヴェネチア出身のマルコ・ポーロという商人が、ジェノバの獄中で、ピサ出身の宮廷作家に語った内容をもとに書かれた東方見聞録は、最初、古フランス語で書かれたという。

しかし、その原本は残っておらず、いくつかの写本はその内容は異なっている。ヴェネチアで生まれた出版という技術によって、各国語に翻訳され、多くの人の心を捉えることになった。

会場の入り口に展示されていた東方見聞録は、15世紀にボローニャで出版された、ピピノ阪と呼ばれる、ラテン語の本だった。

マルコは、現在のイランの地に栄えたイル・ハン国の使いに出会い、それが縁で中国に赴くことになった。帰りも、そのイル・ハン国の船で、ヨーロッパに戻っている。

会場に展示されていた、数多くのイランなどの各地からの色鮮やかな陶器の出土品は、当時のその地方の繁栄の様子を、今日に伝えている。

東方見聞録の中では、マルコは、中国の一都市の役人を務めたことになっているが、中国の当時の記録には、マルコの名前はないという。

まさしく、その当時の中国国内の記録が、目の前に展示されていた。ヨーロッパ人の名前もすべて漢字に置き換えられているが、確かにマルコに相当するの名前はないようだ。

当時の中国には、イスラム教、マニ教、ネストリウス派キリスト教など様々な宗派の人々が暮らしていた。今に残る経典の切れ端や、そうした人々の様子を記した当時の資料などが、その存在を証している。

モンゴル帝国の成立によって、東西の交流が活発になった、という趣旨の説明がよく見られたが、その帝国成立の過程の中で、多くの民族の人々の命が奪われたことを、無視することはできないだろう。

その反面で、確かに、モンゴル帝国により統一された政治体がなければ、マルコの壮大な東方への旅は、実現しなかったかもしれない。

マルコの書物が、後世に与えた影響の大きさを考えると、歴史のロマンあるいは不思議さ、というものを、考えざるを得ない。

横浜ユーラシア館3階の、決して大きいとはいえないその展示スペースに、イタリアから中国に続く、長大なシルクロードが横たわっているように錯覚したのは、決して私だけではないだろう。

魯山人の宇宙（うらわ美術館）

北大路魯山人という人物については、これまで、いくつかの文章を読んだことがあるくらいで、美食倶楽部という高級料理屋を営んでいたこと、陶器を作っていたこと、など断片的なことしか知らなかった。

うらわ美術館で開催されたこの展覧会で、もう少し、その人物像に触れることができた。

魯山人は、明治16年に京都の上賀茂神社の社家に生まれ、その後、書家になることを目指して上京した。

展示品の中には、掛け軸や焼物の壷などに、魯山人自身による、見事な文字が書かれていた。

現在のキャピタルホテル東京のあたりにあったという高級料亭、星岡茶寮を借り受けていたが、社員達と上手く行かず、やがて経営者から解雇された。

その後は、鎌倉に星岡窯を作り、陶器作りに専念した。

展覧会の展示品の多くは、そうした陶器品の数々だった。紅葉の形をした小さな器、簡素な花々の絵が描かれた平皿。

織部、黄瀬戸、志野、備前、萩、信楽、三島など、ありとあらゆる技法で作られた陶器が並び、さながら、日本の陶器展、といった趣だ。

魯山人は、織部焼きにおける人間国宝の指定を受けたが、辞退した。

母親の不貞から生まれ、父は割腹自殺し、自らは養子に出された。6度の結婚はすべて破綻したという。

その複雑な人物像の一面を、この展覧会で少しは伺えたような気がした。

旅の文学ー紀行文にみる旅の様々（静嘉堂文庫）

本屋に行くと、たくさんの紀行本や旅行のガイドブックが、売られている。人間は、どうしてこんなに旅が好きなのだろう。

江戸時代にも、多くの紀行文や旅の記録、ガイドブックなどが出版された。

井原西鶴、貝原益軒、本居宣長など、今でもよく知られている人物から、一部の研究者や関係者にしか知られていない人まで、実に様々。

中には、愛媛の漁民が、海流に流され、アメリカの船に助けられて、ハワイを訪れたことなどが書かれた書物が展示されていた。この人物は、記録上、始めてハワイを訪れた日本人だという。

勿論、書いたのは本人ではなく、それを調べた江戸幕府の役人達だろう。他にも、大黒屋光太夫の記録や、何点かの漂流記も、展示されていた。

いずれの書物も出版は19世紀。鎖国政策によって、外国との交流を制限していた当時の日本だが、すでに、大きな歴史の流れの中に、飲み込まれようとしていた。

展示品は、ほとんどが江戸時代に出版されたものだったが、唯一、鎌倉時代に書かれた西行物語の写本が展示されていた。

現在の文庫本よりもすこし小さいサイズに、小さいサイズでびっしりと、西行の和歌や行動が書かれている。

西行は、平安時代の末から鎌倉時代にかけて、吉野、鎌倉、東北などを旅した。芭蕉をはじめ、江戸時代の多くの人が、西行に憧れ、思いを馳せた。

これからも、私たちは、多くの旅をし、記録に残し、それを書物にして、楽しんでいくことだろう。

たまもの 大コレクション展（埼玉近代美術館）

埼玉近代美術館が、自らのコレクションを展示する企画展を行った。その出展数は、なんとおよそ1,000展にものぼる。

それらを、家族、眠り、顔、あるいは特定の作家など、およそ30のテーマに分類した。

まず、その企画のユニークさ、巧みさに感じ入ってしまった。

瑛九は、1911年に宮崎で生まれ、上京後は埼玉で暮らした。その故で、この美術館には多くの瑛九の作品が収蔵されている。絵画、版画、写真など、多くの分野で前衛的な作品を残している。

フォトグラム。カメラを使わず、感光紙の上に物をのせて、そのまま焼き付ける手法。1920年代に、マン＝レイやモホリ＝ナジらによって始められ、瑛九も1930年代から作成に取り組んでいる。

会場には、そのマン＝レイやモホリ＝ナジの作品も展示されていた。

瑛九は1960年に惜しくも亡くなってしまった。その死を嘆き、友人達の追悼文や出版した書物が展示されていて、読めるようになっていた。

その文章を読んでいると、瑛九が、そうした友人達に、いかに愛されていたのかがわかり、思わず目頭が熱くなってしまった。

百花繚乱というテーマのコーナーには、古今東西の画家達による花々の絵が、壁中に展示されていた。シャガール、熊谷守一、小村雪岱、小茂田青樹、須田剋太、山本容子、駒井哲郎など、その数およそ70点。ただただ美しく、壮観という言葉しかない。

寄贈された大熊家コレクションによる横山大観の作品。春雨　秋雨、朧夜、白梅、そして富士を描いた神州第一峰など。

近代のアート作品の展示が多い中で、これほど多くの大観の作品を目にすると、よけいに、日本画の美しさが、際立って感じられる。

構図の素晴らしさ、色合いの美しさ、ぼかしの技術の高さ。いずれも、ほぼ完璧といっていい作品。

他にも、駒井哲郎、ルフィーノ・タマヨ、熊谷守一、小村雪岱、タイガー立石、草間彌生、アントニ・タピエスらの、印象的な作品に出会った。

それにしても、失礼ながら、これほど多くの作品を、この美術館で一度に鑑賞できるとは、思いもよらなかった。

この埼玉という地は、こと美術ということにおいては、世界中のどの都市と比べても、勝ることはあっても、劣ることはないと言えるだろう。

国宝燕子花図屏風 〈琳派〉の競演（根津美術館）

国宝である、尾形光琳の燕子花図屏風。その六曲一双の屏風には、燕子花しか描かれていない。

右の屏風は、燕子花はやや上よりに描かれており、左の屏風には、上部はぽっかりとスペースが空いており、下に燕子花が描かれている。

その独特な空間配置は、尾形光琳の名前をとって名付けられた、琳派の大きな特徴になった。

伊勢物語の八橋の場面を描いたとも、謡曲の『杜若』をイメージして描いたとも言われる。

俵屋宗達の工房のブランド名だった、伊年、の印が入った四季草花図屏風。およそ70種類の花々が、六曲一双の屏風に描かれている。

悲しいことに、その中の多くの花について、絵だけからは、名前を上げることができない。

色鮮やかで、細かい筆先で景色が描きこまれた、野々村仁清の色絵山寺図茶壺に代表される、華麗なやきものの数々。

それに対して、大胆なタッチで、対象の雰囲気だけを捉えた絵が描かれた、尾形乾山の陶器の数々。

鈴木其一の夏秋渓流図屏風。金箔の背景に、苔の緑と、川の青が鮮やかに映えている。激しく流れる水の水音が聞こえてくるようだ。

鈴木其一は、江戸琳派の酒井抱一を引き継いだ人物だが、彼の没年は、明治維新の10年前。まさに、江戸時代とは、琳派の時代であった。

百花繚乱 − 花言葉・花図鑑 − （山種美術館）

山種美術館では、毎年この時期になると、花をテーマとした収蔵品展を開催する。

展覧会は、3つのテーマに分けられていた。

第1章は、人と花。

狩野常信の明皇花陣図。玄宗皇帝と楊貴妃が、宮廷の女性に花を持たせて、両陣営に分けて戦わせている様子を描いている。これは、中国に古く伝わる風習とのこと。

女性と花の関係、そして、花が持っている呪術的な側面が垣間見える。

森村宜永の夕顔。源氏物語の夕顔の1シーンを描いている。光源氏の元に、夕顔の家の者によって和歌を添えた夕顔が届けられる有名なシーン。

光源氏も、夕顔も、描かれていないが、源氏物語を知る人間は、この絵を見ただけで、夕顔の帖の物語世界が、走馬灯のように蘇る。夕顔は、やがて、六条御息所の生き霊によって、呪い殺されてしまう。

源氏物語は、夕顔の他にも、藤壷、葵、紫など、登場人物が花の名前で呼ばれることが多い。

第2章は、花のユートピア。

ここでは、現実ではあり得ないような風景の中で花々が描かれた、そんな絵の数々が展示された。

鈴木其一の四季花鳥図。左右の屏風に、四季を代表する花々、動物や鳥が描かれている、日本画ではポピュラーな題材。

春の花と秋の花が並んで咲いているなど、明らかに、現実にはあり得ない。日本の絵師達にとっては、現実を再現することが、絵を描く目的ではなかった。

荒木中畝の四季花鳥。春、夏、秋、冬の4つの色鮮やかな花々と鳥たち。パンフレットやポスターのも使われている、今回の目玉となる作品。

春、夏が色鮮やかなのは、いうまでもないが、ここでは、秋、冬もそれに負けじとカラフルに描かれている。秋は紅葉の赤、冬は雪の白と葉の緑、水面の青を上手く使っている。

第3章は、四季折々の花。

花は美しさの象徴だが、季節を表す象徴としても絵の中で表現される。

奥村土牛の吉野。遠くまで連なる吉野の山並みに、まるで霞のように、桜の花が描かれている。

奥村は、この絵を描いているとき、まるで歴史画を描いているようだと、感じたという。日本の歴史を通して愛され、愛でられてきた吉野の桜は、春という季節感さえも、飛び越えてしまっている。

会場の一角に、西洋絵画の画家達の作品が展示されていた。梅原龍三郎の向日葵、中川一政の薔薇など。描かれている題材も、絵の具も、技法も異なっている花の絵は、花を描くということの、本質的なものを考えさせられる。

横山大観の寒椿。金箔の背景に、薄い水墨で竹が、手前に小さな寒椿が描かれている。他の絵に比べて、まったく色鮮やかではない絵だが、その小さな白い花びらと黄色い雌しべは、実際以上に、この絵の中では大きく見える。

これぞ、横山大観の魔術だ。

Paris,パリ、巴里 ー 日本人が描く 1940-1945（ブリヂストン美術館）

明治維新によって、近代国家を目指した日本は、その全てをヨーロッパから学んだ。それは、政治や経済の仕組みだけではなく、絵画や音楽、文学などの芸術も、またしかりであった。

多くの画家、あるいは画家を志す人々が、パリへ旅立った。当時のパリは、文字通り、芸術の都だった。

ブリジストン美術館で開催された展覧会では、当時の画家達がパリで描いた、あるいは帰国直後に描かれた作品が、40点ほど展示された。

黒田清隆、藤島武二、浅井忠、安井曽太郎、梅原龍三郎、藤田嗣治、岡鹿之助、児島善三郎、小出楢重、佐伯祐三、坂本繁二郎・・・。

日本の西洋絵画を代表する人物たちの名前が、出品リストに並んでいる。

しかし、それらの作品の多くは、どうみても、当時のパリで活躍して画家達、コロー、セザンヌ、ルノワール、ピカソなどのモノマネにしか見えない。

梅原流三郎の脱衣婦はルノワールを、安井曾太郎の水浴裸婦はセザンヌを、児玉善三郎の立つはピカソを、それぞれマネしている。

皮肉にも、常設展時のコーナーには、彼らがモデルとした、コロー、ピカソらの画家達の作品が並んでいた。

芸術の都、パリを訪れた日本人画家達は、競って、巨匠たちの絵をコピーした。それは、近代日本のあり方そのものだった。

そうした中で、存在感を誇っていたのが、藤田嗣治だった。

藤田は、第1次世界大戦の直前にパリについたこともあって、戦時中も日本に帰らず、そのまま居残り、ヨーロッパでの美術界の変化を目の当たりにした。ピカソ、モディリアーニ、マチス、ブラック・・・。誰もが他人とは違う絵を描き、差別化をしなければ、生き残っていけない現状を肌で感じた。

藤田はもがき、その中から、いわゆる藤田の白を編み出した。

横たわる女と猫、という作品は、その藤田の白がふんだんに使われている。女と猫の輪郭は、細い線画で描かれている。その線は、日本画の伝統に根ざしたものだろう。

誰にも真似できないその画風によって、藤田は、当時のパリにおいて、成功した唯一の日本人画家となった。

佐伯祐三は、広告はり、テラスの広告、ガラージュなどの作品が展示されていた。ユトリロの影響を強く感じるが、広告の文字の表現など、独自の絵画世界を築き始めているようにみえる。

もう少し、長く生きていれば、成功できていたかもしれないが、体と精神がそのプレッシャーにもたずに、わずか30才で、セーヌ県の精神病院で亡くなった。

多くの日本人画家が憧れたパリは、第2次世界大戦などの影響によって、芸術の都という地位を、海の向こうのニューヨークに奪われた。

1940-1945年という時代は、日本人が、近代国家を目指して、そして挫折した時代でもあった。それは、西洋絵画を必死に学んだ日本人画家達の試みに対しても、言えることかもしれない。